La moda poco a poco empieza a valorar la artesanía del sur de Asia

La moda poco a poco empieza a valorar la artesanía del sur de Asia

Esta historia apareció originalmente en The Earthrise Issue de i-D, no. 368, verano de 2022. Solicite su copia aquí.

Un cambio importante ha ocurrido en la moda en la última década. La artesanía, que alguna vez se consideró un contraste ligeramente tedioso con la creatividad, se ha convertido en la palabra en boca de todos los diseñadores. Le informarán sobre las horas de trabajo manual que se dedican al bordado y las habilidades transmitidas de generación en generación para cortar y tejer ingeniosamente costosos bolsos. Sin embargo, más allá de los talleres europeos llenos de luz, se habla muy poco de los artesanos de todo el mundo que producen la gran mayoría de los artículos de lujo.

Ocasionalmente, puede verlos en videos detrás de escena, aldeanos anónimos con manos inquietas, pero rara vez los nombres o rostros de estos artesanos han sido celebrados con tanto entusiasmo como aquellos que dibujan en sus habilidades. Sin embargo, su conocimiento y experiencia han dado forma a colecciones enteras y han generado márgenes saludables para las marcas, incluso si están sujetas de manera rutinaria a contratos de temporada a corto plazo, muchas horas y salarios bajos.

Entonces, cuando Seno Tsuhah, junto con su equipo de siete tejedoras, ayudaron a fundar Chizami Weaves, un programa de medios de vida bajo The North East Network (NEN) en India, el objetivo era promover el empoderamiento económico de las mujeres rurales mientras traían el arte de la artesanía tradicional. lejos tejiendo a un mercado más grande. Seno, que pertenece a la tribu Chakhesang de Nagaland, es maestra, agricultora y activista por los derechos de las mujeres indígenas, y ha dedicado su vida a crear oportunidades para, entre otras, las artesanas naga. Desde su creación en 2008, Chizami Weaves ha trabajado con marcas para producir una variedad de prendas tradicionales, muebles para el hogar y telas para compradores de todo el mundo.

“Aunque los jugadores más importantes de la moda han confiado regularmente en la experiencia de artesanos calificados, estos artesanos han sido rutinariamente mal pagados, infravalorados y sin crédito por parte de la industria en general”.

“Al colaborar con personas de fuera de nuestra comunidad en el tejido textil, hemos tenido algunas buenas experiencias”, dice Seno. “Pero también hemos tenido personas que nos pidieron que tejiéramos y luego usaron esos diseños para otros productos sin mencionar dónde se hizo”. La experiencia de Seno es emblemática de la desafiante relación del sistema de la moda con la apropiación cultural. Aunque los jugadores más importantes de la moda han confiado regularmente en la experiencia de los artesanos calificados, estos artesanos han sido rutinariamente mal pagados, infravalorados y sin crédito por parte de la industria en general.

Estas prácticas son parte de un sistema que sigue permitiendo que los criterios centrados en Occidente determinen lo que constituye el lujo. En ninguna parte es eso más evidente que en las jerarquías obsoletas de las etiquetas ‘Hecho en’. Mientras que los productos con la marca ‘Made in France’ revelan un arte impecable y los que tienen la marca ‘Made in Italy’ demuestran un cuero fino, ‘Made in India’ supone una calidad inferior y un precio más bajo. Tanto es así, que se sabe que los compradores cancelan pedidos de productos fabricados en la India a favor de los fabricados en Europa. Esta fue la experiencia de Shivam Punjya, fundador de Behno, una marca de bolsos que se asocia con fábricas indias para la producción, quien alegó que los minoristas estadounidenses enfocaban sus pedidos para dejar espacio a las marcas italianas.

Obtener inspiración creativa de los artesanos de todo el mundo y trabajar con ellos no tiene por qué ser una explotación ni una exclusión. Sin embargo, para que esto suceda, las marcas occidentales deben apartarse de sus antiguos hábitos de tomar prestados diseños de culturas marginadas en nombre de la “apreciación cultural” sin redistribuir las recompensas que obtienen. Es una narrativa que hoy se ha vuelto cansada y obsoleta, un cambio catalizado por una comprensión más matizada de los legados coloniales, mayores llamados al consumo responsable y el activismo en las redes sociales. Ahora, las marcas deben actuar con cuidado para evitar ser llamadas o canceladas por apropiación.

Además, los compradores se están involucrando en la logística de dóndey más importante, cómo y por quién, su ropa está hecha. “Cuando trabajamos con ciertas fábricas o fabricantes, nos aseguramos de que su información sea visible, por ejemplo, a través del etiquetado doble, para que las personas sepan todo el proceso detrás de dónde proviene una tela o cómo se fabrican nuestros zapatos”, dice London- el diseñador Nicholas Daley, quien se asocia con artesanos locales en todo el Reino Unido y Japón en sus ciclos de producción.

Nicholas es parte de un movimiento más amplio de diseñadores que trabajan para corregir el desequilibrio histórico dentro de las cadenas de suministro entre las marcas y los artesanos con los que colaboran. Además de dar prioridad a los procesos de producción respetuosos con el medio ambiente a través de líneas de producción en gran parte trazables, muchos de ellos también recurren a sus respectivos patrimonios culturales para buscar el apoyo de los artesanos indígenas. Las asociaciones tienen tanto que ver con aprovechar las habilidades probadas por el tiempo como con celebrar la creatividad de los artesanos, e incluso la ropa y sus historias. Sin embargo, para el resto de la industria, la pregunta sigue siendo: ¿cómo puede el sistema de la moda reequilibrar su cadena de suministro para poner tanto poder en manos de los artesanos como en los directores creativos? ¿Y por qué los dos deberían ser mutuamente excluyentes?

“Cuando pensamos en los artesanos, cuando pensamos en las personas que están trabajando en [garment] fábricas, a menudo existe esta mentalidad de cadena de suministro invertida en la que al final es el diseñador quien se lleva todo el crédito”, explica rebeca hui, el fundador y director ejecutivo de Roots Studio, que vincula a artistas indígenas con marcas de moda para fomentar asociaciones que sean mutuamente beneficiosas. “Nuestro objetivo es invertir estas dinámicas de poder de la autoría. En cambio, centramos la pregunta: ‘¿Puede el artista, con su creatividad y conocimiento, ser el autor de lo que crea? ¿Especialmente en temas en los que son expertos, como la sostenibilidad?’”

Después de todo, los artesanos, especialmente los artesanos indígenas, que trabajan en partes remotas del mundo están más cerca no solo de los materiales locales que obtienen y usan, sino también de los efectos del cambio climático en las comunidades rurales. Esta experiencia no debe ser descartada por los directores ejecutivos de moda en las salas de juntas que intentan “hacerlo mejor” para las personas y el planeta.

“¿Cómo puede el sistema de la moda reequilibrar su cadena de suministro para poner tanto poder en manos de los artesanos como en los directores creativos? ¿Y por qué los dos deberían ser mutuamente excluyentes?

Los cimientos de Roots Studio se basan en tres valores fundamentales: respeto, reciprocidad y remuneración. En su forma más básica, el respeto significa que las marcas que buscan artesanos indígenas reconocen de dónde provienen los productos, quién los hizo y por qué. Esto incluye una compensación justa, pero también la autoría y el reconocimiento de su creatividad.

Un ejemplo reciente es el Proyecto Atigi de Canada Goose, la colaboración anual de parkas de la marca con diseñadores indígenas lanzada en 2018. Canada Goose extendió los derechos de propiedad intelectual a las 18 costureras, todas ellas de una de las cuatro regiones inuit de Canadá: Inuvialuit, Nunatsiavut, Nunavut y Nunavik, quien diseñó y creó una línea de parkas de lujo. La marca realizó entrevistas con cada uno de los diseñadores como parte del lanzamiento de la colección, y luego todas las ganancias de las ventas se donaron a las comunidades inuit a través de la organización nacional representativa de los inuit, Inuit Tapiriit Kanatami.

Lo mínimo que pueden hacer las marcas es garantizar el reconocimiento y la representación de los artesanos con los que trabajan. Es un sentimiento que Seno, que también es asesor de Roots Studio, quiere enfatizar. “Las historias y las etiquetas que hablan de las comunidades son muy importantes”, señala. Cuando se trata de reciprocidad y remuneración, Roots Studio lleva a cabo ciclos programados de retorno de ganancias que aseguran que el impacto positivo de un proyecto se sienta más allá de aquellos con vínculos inmediatos con él.

Eso significa eliminar las cadenas de suministro intensivas en carbono a través de la digitalización, el abastecimiento de fibras con carbono positivo y procesos de producción ecológicos, así como invertir los beneficios en la comunidad en su conjunto. “Esto podría ser [done through] dividendos comunitarios que ayudaríamos a establecer”, dice Rebecca Hui. “Luego, la comunidad puede nominar a las personas para que decidan cómo quieren usar esos fondos o cómo quieren distribuirlos”.

Las asociaciones exitosas entre marcas y artesanos operan en simbiosis, lo que requiere pedir la opinión de los artesanos y tomarse el tiempo para escucharlos e interactuar con ellos. Esto no podría ser más importante cuando se trabaja con motivos que pueden ser sagrados para una tribu o comunidad en particular.

Es por eso que Roots Studio ha dedicado tiempo y recursos a la educación cultural en todos sus proyectos. Su equipo de participación comunitaria ayuda a generar conocimiento, consentimiento, traducción y comprensión mutua. Por ejemplo, su líder de participación comunitaria, Laya Chirravuru, organizó y tradujo los sentimientos de los artistas en esta entrevista. Hui hace referencia a un caso en el que una marca solicitó extender un diseño particular de un pájaro a su línea de calzado. Su compañera de equipo procedió a enviar los diseños a la comunidad indígena que había ilustrado el patrón, quienes a su vez explicaron que el animal es sagrado en su cultura y, por lo tanto, no puede tocar el suelo ni los pies de las personas. La marca dibujará el diseño con prontitud y respeto.

Una vez más, al establecer asociaciones a largo plazo con artesanos indígenas, las historias de fondo de las comunidades creativas deben alinearse con las necesidades de una marca. “Queremos que entiendan no solo la estética de un diseño, sino también nuestros hábitos alimenticios, nuestro estilo de vida, nuestras culturas tribales”, dice el pintor Chandrakali Pusham, de la tribu Gond en Dindori, Madhya Pradesh en India, quien está representado por Roots Estudio. Imponer expectativas de mercado a las comunidades artesanales sin considerar sus necesidades corre el riesgo de erosionar aún más las costumbres que han surgido a lo largo de generaciones, lo que a su vez socava la inversión financiera que una marca podría aportar a la comunidad. Uno no puede existir sin el otro.

“Se trata de asegurarse de que ambas partes tengan voz y voto sobre lo que está sucediendo y cómo”, agrega Rebecca. “Las marcas tienen que moverse en un cronograma muy ajustado, tienen presupuestos y ayudamos a facilitar ese proceso, pero con más transparencia”.

Sería fácil descartar esto como transaccional, pero hay un valor intrínseco en los productos diseñados por artesanos que se basan en conocimientos y técnicas generacionales que han resistido la prueba del tiempo, a veces siglos. En cuanto a la sostenibilidad y la durabilidad, hay mucho que aprender de estas prácticas ancestrales.

“Algunos de nuestros productos exclusivos son tejidos muy clásicos porque la fibra en sí es muy especial: fuerte pero suave”, explica Dechen Yeshi, fundador de Norlha, un taller de yak khullu en la meseta tibetana que trabaja con nómadas locales. “Estos son los mismos productos que llevamos a París y mostramos a Hermès y todas estas otras marcas de lujo que los amaban. Fue increíble ver estas prendas que usan los lugareños. [in Tibet] también será apreciado por las casas de moda en París y Londres”.

Sin embargo, los artesanos a menudo permanecen invisibles dentro del sistema de moda tradicional. Ese es el caso incluso hoy en día, cuando las redes sociales han hecho que sea más fácil que nunca destacar y celebrar las comunidades artesanales, especialmente aquellas que históricamente han sido ignoradas y menospreciadas. Para los creadores independientes, las colaboraciones de marca respetuosas pueden ofrecer la oportunidad de atraer nueva clientela a través de Instagram y TikTok. Del mismo modo, para las marcas que atienden a la próxima generación de consumidores conscientes, las voces artesanales pueden ser embajadores tan valiosos como las celebridades que pueblan la primera fila de los desfiles de moda.

Afortunadamente, para una nueva ola de diseñadores, la colaboración auténtica es simplemente una segunda naturaleza. A medida que ascienden en las filas del sistema de la moda, quieren traer consigo a sus comunidades de artesanos locales. No busque más allá de Amesh Wijesekera, fundador de la marca de Sri Lanka Amesh, quien trae ideas de diseño a los artesanos locales y les pide su opinión: ¿Qué patrones o colores les gustan? ¿Qué creen que funcionará mejor con sus técnicas? Es una obviedad, como explica: “Todo lo que sé sobre artesanía lo aprendí de los artesanos con los que trabajo”.

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