El Clamor del Ornamento, Centro de Dibujo — deseos superfluos

El Clamor del Ornamento, Centro de Dibujo — deseos superfluos

En su polémico ensayo de 1913 “Ornamento y crimen”, el arquitecto Adolf Loos arremetió contra la decoración como derrochadora, autoindulgente e inminentemente obsoleta. Tenía razón en el último punto: los arquitectos y diseñadores modernistas, inflamados por su rectitud, pasaron décadas montando metódicamente su obra de exceso, dejando ciudades llenas de vidrio sin alegría y hormigón en blanco.

Sin embargo, el ornamento floreció porque siempre hay espacios vacíos que necesitan ser llenados. Satisfaciendo un deseo universal, los humanos se engalanan a sí mismos y a las superficies que los rodean con joyas, recuerdos, instantáneas, telas estampadas, estatuillas religiosas y otras fechorías.

El clamor del ornamento, una exposición en el Drawing Center de Manhattan que hace todo lo posible por sacudirse la maldición de Loos, estalla en una exuberancia decorativa. En su búsqueda de superficies opulentas, los curadores encontraron tatuajes, papel tapiz, imitaciones de diseñadores vendidas por los vendedores de Canal Street, tallas de scrimshaw en huesos de ballena y mucho, mucho, mucho más. El título se burla del triunfo de la clasificación racional de Owen Jones en 1856, La Gramática del Ornamento. Ofendido por lo que vio como un gusto vulgar de mediados de la época victoriana, Jones se designó a sí mismo como un ejecutor de la estética, enumerando reglas para cada tarea de diseño, de acuerdo con códigos y jerarquías elaborados.

Los comisarios Emily King, Margaret-Anne Logan y Duncan Tomlin ven la ornamentación no como un catálogo definido de referencias para desplegar con profesionalismo y moderación, sino como una necesidad mundial de profusión y complejidad. El espectáculo deambula a través de culturas y siglos, en busca de resonancias y líneas de comunicación. Es riguroso, en cierto modo, rastrear la forma en que un motivo geométrico común en (lamentablemente ausente) la orfebrería y los textiles otomanos aparece en un dibujo de finales del siglo XV de Leonardo da Vinci, se reproduce en grabados no atribuidos y reaparece un par de décadas más tarde en la fina tracería de una xilografía de Durero. El rastro aún no se enfría: el disco de encaje de Durero reaparece en la frente de Bob Dylan en un póster de 1968 de Martin Sharp, mirando a través de la espesura del cabello explosivo del cantante como un ojo que todo lo ve potenciado por las drogas psicodélicas.

‘El primer nudo’ de Albrecht Dürer, (antes de 1521) después de Leonardo da Vinci © Museo Metropolitano de Arte

Imagen naranja y negra de Bob Dylan con gafas de sol y círculos concéntricos para el cabello

Martin Sharp, ‘Soplar en la mente/Mr. Tambourine Man’ (1968) © Smithsonian Design Museum

El ornamento se ha considerado durante mucho tiempo como el ápice del refinamiento y también se ha descartado como primitivo. Jones creía que todas las sociedades atesoran patrones y que su deseo por ellos “crece y aumenta con todos en la proporción de su progreso en la civilización”. Para 1925, Le Corbusier decretó lo contrario: “Decoración: chucherías, entretenimiento encantador para un salvaje”. La muestra del Drawing Center se sitúa en un término medio, gloriándose en los placeres del exceso pero también tratando de darle un sentido digno de un museo a un impulso que conoce pocos límites.

Ese acto de equilibrio apunta a los curadores hacia los esfuerzos quijotescos del pasado para categorizar lo incategorizable. Durante la Depresión, el gobierno de EE. UU. envió 400 ilustradores por todo el país para descubrir y documentar un enfoque exclusivamente estadounidense de la artesanía y su manifestación en la ornamentación. Este ejército de acuarelistas experimentados plasmaron sus hallazgos en pinturas puntillosas, algunas de las cuales aparecen aquí, de mantas para sillas de montar, cofres pintados y colchas de retazos. Las imágenes resultantes fueron recopiladas en El Índice de Diseño Americanouna obra de referencia que aspiraba a definir un carácter nacional y una estética moderna.

Una habitación desordenada con papel tapiz estampado, silla, tocador y objetos decorativos

Perkins Harnly, ‘Boudoir’ (c. 1931) © Galería Nacional de Arte, Washington

Los reportajes sobrios a veces eran dejados de lado por una combinación de imaginación e indolencia. Perkins Harnly, con el pretexto de registrar el contenido de un tocador típico estadounidense, de hecho pintó una habitación en la casa de huéspedes donde vivía, que según él había sido el hogar de la actriz Lillian Russell. El brebaje que se le ocurrió era mitad real y mitad inventado, una visión victoriana de la abundancia elegante, repleto de alfombras, cortinas, libros y una impresionante variedad de bibelots. Cada superficie está repleta de objetos representados fielmente, una meticulosidad que simultáneamente cumplió con su mandato emitido por el gobierno federal y complació su fantasía desenfrenada.

Índice hizo un buen trabajo al recopilar los gustos estadounidenses por los productos y las influencias de Europa, Asia y África. Tuvo menos éxito en descubrir una lengua vernácula nacional genuina. Pero si falló, fracasó estrepitosamente, acumulando 18.257 imágenes de objetos idiosincrásicos ya veces elocuentes. Quizás el movimiento editorial más revelador fue la decisión de ignorar por completo el diseño nativo americano, tratando las ricas tradiciones del continente de alfombras, abalorios, costura, joyería y arte corporal como si nunca hubieran existido.

Una imagen antigua de un nativo americano está anotada en tinta roja con explicaciones de su vestimenta y posesiones.

Wendy Red Star, ‘Peelatchiwaaxpáash / Cuervo medicinal (Cuervo)’ (2014) © Museo de Brooklyn

Este equipo curatorial no está dispuesto a repetir tal error. Están más interesados ​​en las formas en que los ornamentos viajan a lo largo de rutas marcadas por el comercio, el turismo, la esclavitud y la migración, y los motivos que saltan culturas sin anunciar sus orígenes. El colorido patrón ameboide que llamamos cachemira lleva el nombre de una ciudad escocesa que se especializó en versiones hechas a máquina de diseños que se originaron en Cachemira. Se nos presentan debidamente dos piezas de evidencia: un intrincado diseño de 1880 para un chal que habría sido tejido a mano en lo que ahora es Pakistán y una acuarela inglesa más tosca destinada a la producción industrial.

Aquí, los curadores hacen una pausa para hacer un guiño a los conceptos de moda de autenticidad y apropiación. Los diseñadores e ingenieros coloniales, sugieren, robaron productos culturales de todo el imperio, los extorsionaron para obtener ganancias y privaron a los artesanos calificados de su antiguo sustento. Esto es cierto, pero faltan un par de piezas en la historia. El imperio británico creó un inmenso mercado para los chales de Cachemira en primer lugar; Los artesanos de la India fueron víctimas de las mismas fuerzas de mecanización que afligieron a los tejedores en Gran Bretaña. Todo ornamento comienza localmente pero no es inmune a las fuerzas globales de la tecnología y la economía.

La izquierda de la imagen tiene un diseño figurativo en el contorno, la derecha con color agregado

Diseño paquistaní para un chal de Cachemira (c. 1880) © Victoria & Albert Museum

Intrincados patrones de flores y follaje en morado, rojo y azul.

George Haité, ‘Diseño para un chal Paisley’ (c. 1850) © Victoria & Albert Museum

Para un espectáculo sobre el ruido, Clamor está curiosamente mutado, con obras en papel que sustituyen las experiencias tridimensionales de edificios, casas y disfraces. Los arquitectos alguna vez se formaron dibujando ornamentos clásicos; una guirnalda de Louis Sullivan y varios bocetos de Piranesi para una repisa de la chimenea nos recuerdan que la mano que firmaba un papel a veces levantaba una ciudad.

Para una investigación sobre la sensualidad, además, el espectáculo es francamente incómodo. Los diseñadores, Studio Frith, con sede en Londres, parecen haberse olvidado de los espectadores reales, obligándonos a agacharnos, estirar los ojos o entrecerrar los ojos para leer un texto y distribuir objetos y paneles de pared de manera tan confusa que puede ser difícil saber cuál pertenece a cuál.

Aún así, la exposición aclara cuán indispensables son realmente los supuestos superfluos de Loos. Nuestro cerebro percibe las simetrías en la aparente aleatoriedad de la naturaleza y buscamos patrones para situarnos y bajar la ansiedad. En cierto modo, los teóricos que debatieron si el ornamento es avanzado o atávico tenían razón: decoramos para volar y sobrevivir.

al 18 de septiembre de dibujocentro.org

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