Dos exposiciones cruzan las líneas entre el arte, la artesanía y la poesía

Two Exhibitions Cross the Lines Between Art, Craft and Poetry
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Por Ilene Dube, JerseyArts.com



publicado originalmente: 16/07/2022

He aquí los títulos usados ​​por Rina Banerjee. Se leen como poemas.

El de su instalación en el Hunterdon Art Museum, por ejemplo, donde la exposición Rina Banerjee: Blemish, In Deep Pink Everyplace Begins está a la vista hasta el 4 de septiembre, dice:

“Ella sería una visión de la Belleza si tan solo… ¡su tez estuviera blanqueada! Como para no ser, para verla como lo que no es y ver separadamente parte de ella en la reflexión, sólo como no humana, no cuerpo y aún no entera, aún no hecha, como enfermedad, como un solo defecto con intención de tomar lejos, guárdalo con esto para curarla (crema de desvanecimiento) de fealdad, vejez, manchas, pecas, lunares y raza entregársela como signo de luminosidad, ligereza, belleza coronada es un sistema definitorio. Donde su alteridad pudo marcarse, ha sido coronada.”

Dos exposiciones cruzan las líneas entre el arte, la artesanía y la poesía

Rina Banerjee, “Ella sería una visión de la Belleza…”

Cuando se le preguntó acerca de su proceso para escribir esto, la artista dice: “A menudo soy incapaz de entregar el pincel, la pluma, la pintura a una pintura, y por eso pido hablar en lenguas que compartan lo que imagino que podría ser la imagen visual. .”

La instalación antes mencionada incluye un busto de alabastro en un taburete de piano de caoba que lleva una gorra de encaje cuyos hilos deshilachados se extienden en una red que se conecta a una pared de espejos antiguos, colgados estilo salón. En la base se apilan conchas de cauri, cuernos de búfalo, un espejo de mano y más hilos deshilachados.

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Algunos podrían describir a la mujer representada en mármol blanco como de belleza clásica, pero claramente sus rasgos angulosos y su tez de alabastro excluyen una gran parte de las bellezas del mundo.

Sobre el título de la exposición, Banerjee dice: “Una imperfección es una marca que es un error que también identifica nuestra singularidad como una marca de nacimiento, o puede ser una herida o una cicatriz no natural. Esta idea se puede aplicar a las comunidades que rechazamos. Quiero que recordemos que a veces es este mismo borde el que determina nuestra identidad, nuestro futuro y autenticidad. Deep Pink es como una herida que expone nuestro color interior y nos recuerda que somos de la misma carne”.

Autodescrita como una “erudita y humanista feminista poscolonial”, Banerjee habla sobre “la piel ideal, el color normal adecuado de la belleza” en un video adjunto realizado por el director de comunicaciones del museo, Brian Kearney. Al reproducirlo en una tableta, el video te hace sentir como si el artista estuviera allí mismo en la habitación hablando contigo. Banerjee también habla con la entonación de un poeta.

“Hecha de piedra, esta belleza está congelada, es la leyenda de Medusa la que crea el legado de la escultura inmóvil”, dice Banerjee. En la habitación de la instalación, intenta crear movimiento en un recinto que describe como un espacio doméstico. “Los espejos son objetos decorativos que crean constelaciones como estrellas que nos reflejan quiénes somos”.

El museo se acercó a Banerjee mucho antes de la pandemia, según la directora ejecutiva Marjorie Frankel Nathanson. Banerjee describe la pandemia como “un espejo importante a través del cual ver su vida… lo que es y lo que usted, como fabricante, quiere que sea, dándole forma para que se sienta como una prenda ajustada y no como una prenda comprada en la tienda. ” Ella se pregunta, “¿dónde puedo crecer y dónde puedo dar más?”

Después de obtener una Maestría en Bellas Artes en Yale en 1995, la carrera de Banerjee se disparó hacia el éxito, incluida una invitación para participar en la Bienal de Whitney de 2000 y otras bienales en todo el mundo.

Tuvo su primera retrospectiva estadounidense en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 2018, una exposición que llenó el edificio rococó diseñado por Frank Furness con una versión flotante de celofán rojo del Taj Mahal titulada “Llévame, llévame, llévame… al Palace of Love” y otras esculturas hechas con sombrillas, una máscara yoruba, sedas coreanas e indias, lámparas de altar chinas, mosquiteros japoneses, cuentas de vidrio, juguetes y cualquier cantidad de artículos que pueda encontrar en un bazar internacional. Es apropiado, ya que su trabajo aborda el globalismo y el colonialismo, así como la etnicidad, la raza, la migración y las historias de la diáspora estadounidense.

Dos exposiciones cruzan las líneas entre el arte, la artesanía y la poesía

Rina Banerjee, Madre reunió tres o no más sucias piedras negras, las arrojó al cielo que podía romper lo que había endurecido su suelo y sin fruncir el ceño ni coquetear con las flores, el padre como grasa o mantequilla se deslizó a un lado para liberarla de cuarenta y algunos hombres adultos más que la tenían como ama de casa como la vida vegetal con tres o no más hijas, 2017, Acrílico y collage sobre panel de madera. Colección del artista, Cortesía de AICON Gallery.

Nacida en 1963 en Calcuta, India, y viviendo en Manchester y Londres, Inglaterra, Banerjee se mudó con su familia a Queens, Nueva York, a los 7 años. “Recuerdo algunos y de forma selectiva, pero también siento su peso sobre mi vida tal como fue. una época que salpicó mi familiaridad con la política migratoria en los años 70”, reflexiona.

“Los vecindarios conservaron una forma de vida que procedía de los continentes y países del extranjero y era un hogar lejos del hogar, forjado a partir de la memoria y la dislocación”, continúa. “Los asiáticos eran los recién llegados. Estoy silenciosamente sorprendido cuando las personas se resisten a tener acceso entre sí cuando todas las culturas están en transición fluida y en movimiento”.

Banerjee reúne sus materiales de numerosas fuentes. Su interés en el uso de celofán rojo como material se remonta a antes de dedicarse al arte, cuando trabajaba como química de polímeros en la Universidad Estatal de Pensilvania.

Tanto el hallazgo como la búsqueda de materiales son importantes para el trabajo, dice ella. Es su método. A veces, “es una búsqueda inútil que puede hacer que te arrodilles ante nuevas realidades. Lo que encuentras a veces te encuentra a ti primero. La gente me da cosas con fe para dirigir mi volante y eso también es muy importante”.

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La exposición encaja con la misión de HAM, dice Nathanson, que es “mostrar arte que sea significativo y resuene y hable a los tiempos”. Si bien el museo es conocido por sus exhibiciones centradas en interpretaciones contemporáneas de la artesanía, “no todas nuestras exhibiciones tienen un componente artesanal. Nos encanta la intersección de la artesanía y las bellas artes: esas definiciones ya no son útiles, ya que los artistas cruzan esa línea”.

Entre los materiales que Banerjee emplea en sus otros trabajos en HAM se encuentran lentejuelas, diagramas eléctricos, patrones pintados, una muñeca victoriana, papel hecho a mano, un candelabro de pared de color bronce, plumas, bombillas y una cabeza de muñeca de cerámica antigua. El tema incluye figuras en jardines edénicos que exudan fluidos de orificios, serpientes, figuras aladas, moscas y gotitas. Sus pinturas están inspiradas en miniaturas indias y pinturas de seda chinas, y dibujos aztecas. Las fábulas de la infancia, como “El mago de Oz” y “La Caperucita Roja”, encuentran su camino en su trabajo, donde se toma libertades con el significado original.

En imágenes en línea, Banerjee usa anteojos coloridos y su cabello espeso, oscuro y lustroso recuerda un video de su exposición PAFA en el que recibe un masaje en el cuero cabelludo con aceite de coco y parece haber alcanzado el Nirvana inducido por los dedos que trabajan el fragante bálsamo tropical. en sus poros.

Banerjee, que vive y trabaja en Manhattan, estaba en el sur de Francia cuando fue entrevistado para este artículo. Ha sido comisionada por la Fundación Thalie, una colección privada con sede en Bruselas que está lanzando su segunda ubicación en Arles. “La directora, Nathalie Guiot, me invitó a diseñar un piso de mosaico redondo de siete pies hecho de piedra y vidrio”, escribe. Planificada como parte de la colección permanente, “la obra ofrecerá una nota inspiradora sobre el clima” con “motivos de lengua y dientes girando con el tercer ojo en una tierna tierra verde irreconocible. Siempre estoy en busca de proyectos que se den cuenta de la conectividad del cuerpo con el edificio y el mundo como contenedores que tienen fugas, enredados desde adentro hacia afuera, portales que se rinden”.

También a la vista en HAM hasta el 4 de septiembre está Maxwell Mustardo: Orientado al plato. Aunque la cerámica podría caer más en la categoría de artesanía, Mustardo cruza ese límite con sus ánforas no funcionales. Los recipientes de 2 asas son de color neón y textura tosca, y parecen casi figuras humanas. Inspiradas en las ánforas romanas, las asas aquí sugieren brazos humanos apoyados en las caderas, y las aberturas ligeramente dobladas son como cabezas humanas.

Dos exposiciones cruzan las líneas entre el arte, la artesanía y la poesía

Maxwell Mustardo, Anthropophora Grouping, 2021, gres esmaltado, revestimiento de goma PVC, varias medidas. Foto cortesía del artista.

Mustardo es artista residente en el estudio con sede en Flemington, Nueva Jersey de Toshiko Takaezu (1922-2011), célebre artista de cerámica conocida por ser pionera en la vasija cerrada.

Nativo de Pittstown, Nueva Jersey, Mustardo (nacido en 1993) comenzó su interés por la cerámica en la escuela secundaria. A través de una conexión familiar, Mustardo pone a Don Fletcher, un antiguo estudiante de cerámica de Takaezu en la Universidad de Princeton. Mustardo comenzó a visitar el estudio de Takaezu y en algunas ocasiones almorzó con Takaezu, quien era conocida por la comida saludable que preparaba en su bien cuidado jardín (Mustardo también ayudaba en el jardín). Takaezu Studio ofrece jornadas de puertas abiertas, ventas y otros eventos con sus residentes.

“Lo más impactante fue ver a esta misteriosa mujer que estaba haciendo cerámica a un nivel que no podría haber imaginado en ese momento; ver un estilo de vida que no podría haber imaginado”, escribe Mustardo en un correo electrónico. “Su influencia sobre mí, hoy, es principalmente a través de su legado difundido a través de su trabajo y su enseñanza. Era una persona singular, extremadamente trabajadora y profundamente reflexiva”.

Graduado de la Facultad de Cerámica del Estado de Nueva York en la Universidad Alfred, donde recibió su Licenciatura en Bellas Artes y su Licenciatura en Historia y Teoría del Arte, Mustardo se siente afortunado de tener acceso a su estudio. “Es una instalación excelente para producir cerámica”, dice. “Un espacio sagrado dada su historia.”

Mustardo ha estado realizando una investigación rigurosa de materiales con plásticos y vidrios durante los últimos años, según New Harmony Clay Project, donde realizó una residencia artística de septiembre de 2020 a marzo de 2021. Mientras estuvo allí, desarrolló sus propios esmaltes usando vidrios saturados de metal, lo que lleva a la creación de formas adaptadas a las necesidades de estas superficies desarrolladas. Los colores iridiscentes y las superficies texturizadas vistas en HAM demuestran los resultados, creando un proceso que es único para él.

Dos exposiciones cruzan las líneas entre el arte, la artesanía y la poesía

Maxwell Mustardo, Agrupación de vasos de chupito, 2021, porcelana esmaltada, varios tamaños. Foto cortesía del artista.

También se exhiben obras de su serie de vasos de chupito altamente texturizados de tamaño íntimo, que comenzó después de una cirugía por un desprendimiento de retina, tiempo durante el cual Mustardo tuvo que mantener la cabeza gacha y no pudo levantar nada pesado; una obra apilada inspirada en el ceramista Peter Voulkos, famoso por ser pionero en el expresionismo abstracto al medio; y una serie de tazas, en las que el cuerpo de la vasija queda subsumido en la forma. “Blurlpe #3”, por ejemplo, se parece más a una dona morada colapsada y desafía nuestras percepciones de qué es exactamente una taza.

Como dice el título de la exposición, estas obras no son platos funcionales, sino que están “orientados al plato”.


Sobre el Autor: Impulsada por su amor por las artes y por cómo pueden hacernos mejores seres humanos, Ilene Dube ha escrito para JerseyArts, Hyperallergic, WHYY Philadelphia, Sculpture Magazine, Princeton Magazine, US 1, Huffington Post, Princeton Packet y muchos otros. Ha producido documentales cortos sobre las artes del centro de Nueva Jersey, así como segmentos para el estado de las artes, y ha curado exposiciones en el Museo de la ciudad de Trenton en Ellarslie y el Museo Morven en Princeton, entre otros. Su propia obra de arte ha ganado premios en exhibiciones regionales y sus cuentos han aparecido en docenas de revistas literarias. Practicante de toda la vida de la alimentación basada en plantas, se la puede encontrar abasteciéndose de verduras frescas en el mercado de agricultores de West Windsor.

Contenido proporcionado por Descubre las artes de Jerseyun proyecto de la Fundación ArtPride New Jersey y el Consejo de las Artes del Estado de Nueva Jersey.

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