Dónde ver espectáculos en galerías de arte en la región de Washington

Dónde ver espectáculos en galerías de arte en la región de Washington

Cómo

El artista de performance de DC, Sheldon Scott, no es conocido por acostarse en el trabajo. Al ritualizar el papel del trabajo negro en la historia de los EE. UU., Scott ha realizado tareas duras que ponen a prueba su resistencia y representan el trabajo de sus ancestros explotados. Pero adoptó un enfoque más tranquilo en la presentación de junio que inauguró “Altar of Repose: I’m Gonna Lay Down…”, su espectáculo de Connersmith: se recostó todo el día en una hamaca tendida en el patio delantero de la galería.

En el interior del edificio se encuentran siete hamacas hechas a mano que simbolizan la relajación, pero también la artesanía, la tradición y, por supuesto, el lienzo. Las piezas están hechas principalmente de cuerda blanca que el artista volvió parcialmente negra al quemar, alquitranar, pintar o, en una pieza que se refiere indirectamente a destacados artistas afroamericanos, adornar con lentejuelas. También son oscuras las sombras proyectadas por las cuerdas entrelazadas, que dibujan redes complejas y mutables en las paredes blancas de la galería.

Para todas las piezas, Scott se basó en las técnicas de trenzado de su lugar de nacimiento, el Lowcountry de Carolina del Sur, conocido por su cultura Gullah Geechee con raíces africanas. Dos de los ensamblajes tienen fuentes adicionales: “I’m Coming Up”, que envuelve varias hamacas alrededor de un poste para producir un todo parecido a un árbol, se inspiró en parte en “Ladder for Booker T. Washington”, una escultura de madera de Black, con raíces en DC. escultor Martín Puryear. El cuento bíblico mencionado en su título provocó “Jacobs Ladder, A Leisurely Stroll to Heaven for Black Folx”, en el que se cuelgan tres hamacas horizontalmente para parecerse a los escalones. Pero las hamacas están demasiado separadas para treparlas con facilidad. Scott comenzó “Altar of Repose” con la idea de repos, pero su arte siempre incluye recordatorios de lucha.

Sheldon Scott: “Altar del Reposo: Voy a Acostarme…” Hasta ago. 6 a las connersmith1013 O St. Abierto con cita previa.

Presentado originalmente en el Irish Arts Center de Manhattan, “The Space We Occupy” no fue diseñado para el espacio que ocupa actualmente: un atrio altísimo en la antigua sede futurista de Intelsat, últimamente hogar de Whittle School & Studios. Justo antes de la inauguración del espectáculo, patrocinado por el grupo artístico local irlandés Solas Nua, Whittle anunció que cerraría la ubicación de DC, un desarrollo que irónicamente complementa el enfoque de los seis artistas irlandeses sobre el cambio, la decadencia y el posible renacimiento. Sin embargo, parece poco probable que el sitio pronto cumpla la profecía de la colaboradora Katie Holton, quien usa su propio alfabeto de árbol para deletrear la frase “Esto volverá a ser un bosque”.

Los de Holton se encuentran entre las piezas montadas o suspendidas dramáticamente en la cámara de varios pisos. “You Are Made of Stardust” de George Bolster es un móvil de formas celestiales estilizadas en plata y oro relucientes. Bolster también ofrece “Extinctioneering: Soon Available Only in Museums”, un conjunto de pancartas impresas con fotografías de dioramas de historia natural en la mayoría de los tonos poco naturales de rosa, verde y morado.

Más cerca del nivel de los ojos están las pinturas casi neoclásicas de Colin Crotty de personas borrosas con solo mechones de rostros; los grabados y construcciones de madera de Fiona Kelly con ramitas de imágenes de la naturaleza; y los collages fotográficos de personas, telas y paredes de cantera dañadas de Ailbhe Ní Bhriain. Esas paredes se asemejan a las superficies tridimensionales de los grandes collages de Neil Carroll, que son abstractos pero sugieren edificios abandonados y escaparates adornados con grafitis. Ubicadas en el atrio prístino, las construcciones de Carroll parecen incongruentes y un poco ominosas, como si el artista hubiera avanzado rápidamente hasta la eventual ruina del edificio.

El espacio que ocupamos Hasta el 31 de julio a las Escuela y estudios Whittle3400 International Dr. NW.

Una de las principales inspiraciones de Jenny Singleton es el arte islámico, que generalmente renuncia a la representación, por lo que no sorprende que sus pinturas sean abstractas. Y, sin embargo, hay fragmentos de imágenes de la naturaleza, así como mensajes incrustados, en “Hazlo de todos modos”, la exhibición de la Galería Touchstone del artista de Maryland. El intrincado “SOS (There Is No Planet B)” coloca ondas azules simplificadas en el centro de lo que podría ser un paisaje desértico de vista aérea, y transmite “SOS” en código Morse con puntos y rayas en la base de la imagen.

Otras pinturas, la mayoría de las cuales cuentan con pigmentos metálicos, contrastan zarcillos acuosos o similares a plantas con ornamentación que recuerda patrones de tela o manuscritos iluminados persas. “Shabaka”, que sugiere un cosmos microscópico, está cubierto con una delicada filigrana azul claro. Tales gestos pueden derivarse de la caligrafía, pero también insinúan un mundo escrito por fuerzas más poderosas que una pluma o un pincel.

También en Touchstone hay un espectáculo, titulado con emoji para ojos, caballete e imagen, de pinturas escultóricas de Jenny Wu. cuando los campos están secos, los corta en pequeños fragmentos y los dispone en patrones geométricos. Los ensamblajes recubiertos de resina se asemejan a mosaicos, con múltiples estratos que a veces se abren para revelar un color sólido en la parte inferior de la pila. Los collages en 3D parecen tanto decorativos como primitivos, como placas tectónicas artificiales que se tambalean hacia la creación de un nuevo continente.

Jenny Singleton: hazlo de todos modos y Jenny Wu: Imagen de caballete de ojos Hasta el 31 de julio a las Galería de piedra de toque, 901 Avenida Nueva York. NOROESTE.

Amplias pinceladas negras serpentean a través del espacio y, metafóricamente, del tiempo, en las recientes pinturas de medios mixtos de Emon Surakitkoson. La muestra del artista de DC nacido en Tailandia en la Galería Y, “What Was & What Will”, relata de manera abstracta un intervalo particular en la historia reciente. No en vano, ese período fue el apogeo de la pandemia de covid-19, cuando el aislamiento animó a los artistas a volverse hacia adentro. La declaración de la galería también enumera “la inseguridad económica, la inestabilidad política y los crímenes de odio violentos” entre los impulsos de este trabajo.

El estilo de Surakitkoson es austero y geométrico, pero con una gran riqueza de detalles. El pigmento negro sobre blanco está dispuesto en curvas cerradas que alternativamente encajan o se entrelazan. Los fondos suelen ser blancos, pero a veces incluyen grandes áreas de negro de textura gruesa, y las formas limpias pueden contrastar con gotas o grietas. Todos estos elementos figuran en “No. 32122”, en el que cintas negras retorcidas dividen el plano circular de la imagen entre una parte superior blanca resquebrajada y una base negra jaspeada. Hay un destello de paisaje, y más que un poco de drama, en esta representación de la flecha del tiempo en una trayectoria de bucle a bucle.

Emon Surakitkoson: lo que fue y lo que será Hasta ago. 5 en la Galería Y, YMCA Anthony Bowen, 1325 W St. NW.

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